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Rodin, l’exposition du centenaire au Grand Palais

31 Mai

On croit tout savoir de Rodin : immense sculpteur français du XIXe, barbu célèbre pour ses liaisons tumultueuses et créateur d’une œuvre colossale dont le célèbre Penseur qui orne la plupart des manuels de philosophie. Tout cela est vrai… mais Rodin. L’exposition du centenaire qui se tient à Paris au Grand Palais jusqu’au 31 juillet 2017 propose un éclairage original en insistant sur le côté avant-gardiste, précurseur et résolument moderne de l’œuvre d’Auguste Rodin.

Une formation décisive

Refusé à la prestigieuse et académique École des Beaux-Arts, Rodin entrera aux Arts Décoratifs, que l’on appelle alors la petite* école (*sur l’échelle du prestige). Ces études, destinées à former des décorateurs ou des ornemanistes, lui apprendront la technique (et Rodin n’en manque pas) mais aussi un mode de travail et d’organisation, notamment la reproduction/réutilisation d’un même motif. Ainsi, outre son immense capacité de travail, c’est grâce à une certaine conception et organisation de sa création qu’il a pu produire autant d’œuvres en une seule vie.  Car chez Rodin, rien ne se perd… D’ailleurs, il garde tous ses plâtres (esquisses et travaux plus aboutis qui servent ensuite à la réalisation de ses œuvres en marbre ou en bronze) dont on peut voir des exemples à l’étage de l’exposition parisienne. Tout pourra être réemployé plus tard, dans un sens ou dans un autre.

On est en plein XIXe mais on pourrait déjà parler d’efficience pour qualifier le travail de Rodin.

Article Une leçon d’expressionnisme par Rodin sur le site du Grand-Palais (nouvelle fenêtre)

© Musée Rodin (photo Christian Baraja)

À cette technique particulière de réemploi, qui devient presque une marque de fabrique, l’artiste associe la nouveauté des sujets : la vieillesse, les petites gens avec une focalisation sur l’expression, d’où une première partie de l’exposition appelée Rodin expressionniste. Il faut absolument regarder les visages et les attitudes des célèbres Bourgeois de Calais  : chacun d’eux exprime un sentiment, peur, colère, acceptation, désespoir… soit les diverses réactions de ces notables du 14e siècle en train de livrer leur ville aux Anglais à l’issue d’un siège affamant. Les mains sont elles aussi remarquables, non seulement par leur taille, avec une disproportion volontaire, mais aussi par la réutilisation d’une même main sur plusieurs des personnages.

Une question de points de vue

Ce réemploi de « morceaux » est à la fois un gain de temps et un focus sur la « 3D » de toute sculpture. Car Rodin joue sur ce qui fait l’essence d’une ronde bosse  : le fait que le spectateur doive tourner autour pour en appréhender toute la richesse. Chez Rodin, plusieurs points de vue sont nécessaires pour comprendre le tout. On pourrait comparer cette façon de concevoir une œuvre à celle des romanciers qui travaillent eux aussi sur le point de vue, n’hésitant pas à en donner plusieurs versions via différents personnages. Mais on peut évidemment aussi penser au cinéma, qui utilise plusieurs caméras pour filmer une même action.

Toute sa vie, Rodin travaillera avec des « résidus » de ses œuvres, soit des morceaux de précédentes sculptures qu’il appelait ses « abattis » , soit des figures entières qu’il assemblait, modifiait, positionnait et recollait dans des positions différentes au gré de ses envies créatives.

Tout au long de l’exposition, plusieurs cas de réutilisation sont visibles, plus ou moins perceptibles au premier coup d’œil. L’exemple le plus frappant est celui des Trois ombres : car les trois éphèbes sont en réalité le même, mais présenté sous d’autres angles. Un des défis du spectateur pourrait être de repérer dans l’œuvre exposée en 2017 toutes les figures dupliquées, car l’ingénieux Rodin joue, non seulement sur l’orientation de ses figures, mais aussi sur leurs proportions.

Libres associations de formes et matières

Amateur d’antiques, il n’hésitera pas non plus à associer des vestiges du passé à son propre travail. Familier des associations et du réemploi, il travaille en même temps sur les rapports de proportion, ce dont l’art des siècles suivants s’inspirera.

Ainsi Rodin comprendra très vite l’importance du socle. La petite histoire raconte qu’il  en a expérimenté la nécessité dès L’homme au nez cassé, un portrait connu pour être la première œuvre officielle de Rodin. Sa première version se verra refusée au Salon, donc ne pourra faire l’objet d’une commande d’un marbre ou d’un bronze, ce qui était l’objectif d’une validation par le Salon. Rodin transforme alors son portrait d’un des forts des Halles (nouvelle fenêtre) en buste antique en le dotant d’un arrière de crâne et d’un buste découpé à la romaine.

© Musée Rodin

Ainsi, d’un échec, il fera une réussite… Plusieurs fois au cours de sa carrière, Rodin, qui fut en son temps aussi admiré que critiqué, sut utiliser les reproches faits à ses œuvres pour en faire une véritable signature. Ainsi sa sculpture l’Âge d’airain provoqua un véritable scandale. Car son éphèbe alangui aux proportions réelles était si fidèle à la réalité qu’on accusa Rodin d’avoir effectué un moulage sur le corps de son modèle pour que le résultat soit aussi conforme à la nature ! Paradoxalement, ceci était à la fois un compliment extraordinaire mais aussi l’insulte suprême pour un sculpteur. Mais Rodin en tirera aussitôt des leçons  : à partir de là, ses œuvres monumentales seront désormais d’une taille plus grande (presque 1.5 X la taille humaine).

Mais si Rodin écoute la critique, il ne se renie pas pour autant : il suffit de voir son merveilleux Balzac, qui fut honni et ne sera finalement pas celui installé avenue de Friedland où se dresse un Balzac inconsistant dont l’auteur (Alexandre Falguière) n’est pas resté dans les mémoires. Celui de Rodin étonne au contraire par sa stature, son ample vêtement, son cou de taureau et son visage presque brutal : incarnation magistrale de  la force de travail du grand écrivain français.

Père de la sculpture moderne

En parallèle d’une œuvre conforme à la demande de son temps, Rodin poursuit tout au long de sa vie ses recherches sur formes et matières avec un travail moins consensuel  et … beaucoup moins XIXe  : contraste, déformation, dépouillement, assemblage de fragments, découpage particulier et recadrage, jeu sur les pleins, les vides et la lumière.

Bref tout ce qui constituera l’essence formelle de l’art du XXe est déjà en germe dans l’œuvre de l’artiste du XIXe.

Rodin et Baselitz en regard

L’exposition du Grand-Palais consacre ainsi toute sa dernière partie à la « descendance » de Rodin : tendance actuelle de la scénographie des expositions, le dialogue art du passé/art contemporain est ici justifié et éloquent : dès la première salle, le spectateur a pu voir un magnifique face à face Rodin/Baselitz.

Il est amusant de savoir que l’artiste contemporain n’avait pas prévu de rendre hommage à Rodin mais qu’une fois sa pièce terminée, il s’est aperçu combien elle ressemblait au fameux Penseur ! Dans cette dernière partie, arrêtez-vous absolument devant l’homme qui marche, parallèle Giacometti/Rodin, ou encore devant l’œuvre du sculpteur gallois Barry Flanagan (1941-2009)  dont les trois lièvres dansant rendent hommage au Trois ombres de Rodin.

En conclusion, une expo à ne pas manquer pour comprendre la modernité du travail de Rodin et  la voie que ce grand sculpteur a ouvert pour les artistes des siècles suivants.

Pour préparer ou compléter votre visite :

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Un Américain à Paris : rétrospective Cy Twombly à Beaubourg

19 Avr

Il était temps ! Un des plus grands artistes américains, Cy Twombly est exposé depuis janvier au Centre Pompidou à Paris : cet artiste immense reste relativement peu connu en France, et le musée parisien nous offre cette année une magnifique rétrospective de plus de 60 ans de travail. Cy Twombly est pourtant l’un des artistes américains majeurs de la 2ème moitié du XXe. Vous avez  jusqu’au 24 avril 2017 pour le (re)découvrir.

Quels que soient les avatars de la peinture, quels que soient le support et le cadre, c’est toujours la même question : qu’est-ce qui se passe là ? […] Roland Barthes *.

Mort en 2011, Cy Twombly a traversé le siècle précédent avec une singularité et une originalité constantes, navigant entre et avec les courants artistiques majeurs : expressionnisme abstrait, Action painting, minimalisme, conceptualisme, Pop art et abstraction pure… Il est aussi l’un des plus européens des Américains (il a vécu en Europe la plus grande partie de sa vie), ce qui lui a valu quelques critiques outre-Atlantique. Son œuvre étonne (et rebute parfois) par son apparent hermétisme, par la scripturalité de ses œuvres et par ses formats monumentaux.  Mais on retiendra de ce grand artiste sa recherche permanente sur le sens profond de son œuvre : sa volonté d’écrire/décrire et de faire voir les choses.

Vidéo teaser de l'exposition Cy Twombly du 30 novembre 2016 au 24 avril 2017 (nouvelle fenêtre)

© Centre Pompidou 2016 / Cy Twombly Foundation

Peintre lettré et pétri de culture classique, il se choisit pour prénom Cy, un surnom très populaire aux États-Unis, rendant ainsi hommage à son père et au célèbre joueur de baseball du début XXe, Cy Young. Très jeune, il se passionne pour le dessin et la peinture, mais aussi pour la mythologie, la littérature, notamment gréco-romaine (son père est lui-même féru de grec et de latin) et la poésie (Mallarmé, Rilke, Keats). Son éducation artistique se fera dans le Sud des États-Unis dont il est originaire, puis à Boston, avant qu’il n’intègre la célèbre Art Students League of New York.

Grâce à sa formation, l’artiste maitrise parfaitement les techniques du dessin et de la peinture, mais aussitôt après les avoir acquis, il cherchera à s’en détacher et à désapprendre pour en quelque sorte se construire un nouveau langage artistique. À ce sujet, une anecdote raconte, que parmi ses multiples recherches pour y parvenir, il s’entrainait à peindre dans le noir, ou de la main gauche ou les yeux bandés…

Au début de sa carrière, ses peintures, déjà de grand format, sont dans un premier temps très sombres,  avant de prendre une couleur blanchâtre. D’aspect crème un peu pâteux et émaillée de signes, dessins, ratures et gribouillis, la toile semble alors recouverte d’un apprêt nacré sous lequel on devine une autre couche de vie picturale, comme un sous-texte mystérieux. À la surface, de ci de là des mots apparaissent, la plupart indéchiffrables, accompagnés de mini-dessins ou figures symboliques, posés sur la toile comme des notes en coin de page ou des listes de signes codés.

Twombly est à la recherche d’un nouveau vocabulaire pictural, quelque chose d’inédit mais aussi d’une nouvelle graphie. Taches, griffures, coulures, jetés, lettres, nom propres, vide, narration, titre et cycle en seront l’alphabet toute sa vie.

À propos de la personne : vidéo « Cy Twombly, parcours d’exposition » par Jonas Storsve. WildBox Productions (Réalisateur). © Centre Pompidou 2016.

Un artiste en recherche d’un nouveau langage

Aujourd’hui encore, les œuvres de la première salle de l’exposition pourront surprendre le visiteur. Pourtant, nous avons vu Basquiat et ses successeurs plus ou moins novateurs, et le graffiti a pris ses lettres de noblesse avant d’entrer victorieusement au musée. Mais si en 2017, on entend encore des commentaires moqueurs, on imagine sans mal combien les œuvres de Twombly ont pu déplaire en 1950… Ainsi, à l’aube d’un pop art d’apparence plus accessible que les peintures/écritures de Twombly, les critiques des années 50 ont été virulentes.

Malgré l’incompréhension du public et les refus des galeries, le jeune Twombly n’abandonne pas son objectif, creusant et fouillant sa manière de faire jusqu’à trouver son identité artistique propre. Mais peut-être la mauvaise réception de ses premiers travaux explique-t-elle les divers « fuck »  que l’on peut lire sur les toiles de cette époque 🙂

Quand on pense à la culture classique de Twombly, on ne peut s’empêcher de rapprocher les peintures de cette époque des graffitis et petits dessins plus ou moins grivois sur les forums romains et les murs de Pompéi.

D’autant plus qu’à cette époque, Twombly commence à voyager, ce qu’il fera toute sa vie. Grâce à une bourse, il découvre le vieux continent et fait son tour d’Europe dans la plus pure tradition des artistes de la Renaissance. Ses premiers voyages se feront en compagnie de Robert Rauschenberg, dont les photos rendent compte de certains travaux disparus de Twombly.

Curieux et talentueux, Twombly pratique lui aussi à la photographie, et ses photos s’organisent en composition, jeux d’espace et de lumière extrêmement construits.

Une exposition chronologique par séries

Première rétrospective de Cy Twombly en France (seuls des dessins avaient été montrés en 2004 : 50 années de dessins Cy Twombly sur le site du Centre Pompidou-nouvelle fenêtre), l’exposition de 2017 rassemble plus de 140 œuvres et s’articule de façon chronologique autour de ses grandes séries ou cycles de peintures, une façon de peindre que l’artiste a utilisée toute sa vie. Une salle a même été aménagée spécialement pour la série Fifty Days at Iliam (Philadelphia Muséum of Art, site en anglais – nouvelle fenêtre), déplacée de façon exceptionnelle à Paris. Entre les peintures, la scénographie conçue par les commissaires de l’expo intercale judicieusement photographies, travaux de recherche et sculptures. Ces dernières ont été regroupées sur un podium en longueur d’où le visiteur peut les embrasser d’un seul regard avec en toile de fond les toits de Paris.

Il est intéressant de voir que Twombly peint, avec la manière qui lui est propre, en cycles et séquences, se rapprochant ainsi de la réflexion de ses contemporains du Pop art qui, au même moment, creusent les notions de série et de reproduction issus de la société de consommation en plein essor, quand lui va chercher sa source dans  l’intemporalité et l’universalité des mythes antiques.

N’en déduisons pas pour autant qu’il vivait en marge de son temps, politique ou artistique. Il suffit de regarder sa série Nine Discourses on Commodus 1963 (appartenant au Musée Gugghenheim de Bilbao – nouvelle fenêtre) pour faire le parallèle avec la dramatique actualité des États-Unis fin 1963. Devant une des dernières toiles de cette série, on ne peut pas ne pas penser au tailleur rose éclaboussé de Jackie Kennedy et devant ces coulures et rouges empâtés, on pense à Francis Bacon et ses séries de papes ou son bœuf écorché…

Mais, en plein pop art et mimimalisme, cette série de Twombly a heurté dès sa 1ère présentation (1964) à New-York chez le galeriste Leo Castelli. Sa peinture, vue comme celle d’un dandy trop européen, a alors été très critiquée par le milieu artistique :

Double-page de l’article « Roman classic surprise  » de Valentine Lawford (Vogue US -1966) : Cy Twombly et sa femme dans leur palazzo romain.

On le dit trop chic, trop sophistiqué, en un mot, trop éloigné de l’idée que l’Amérique se fait d’un artiste américain.

écrit Jonas Storve, le commissaire de l’ exposition de Paris dans sa présentation (nouvelle fenêtre).

Aujourd’hui, on voit sur les photos un homme élégant, un peu nonchalant mais dont le regard vif traduit le bouillonnement intellectuel perpétuel. On sait en effet qu’il passait beaucoup de temps à réfléchir et concevoir ses œuvres, étant en ceci très conceptuel (bien qu’il n’ait jamais aimé être assimilé à tel ou tel mouvement). Il aurait lui-même confié que parfois l’exécution de ses oeuvres lui demandaient moins de temps que leur  maturation .

Précisons que Twombly, depuis la fin des années 50, s’était installé en Italie dans un authentique palais romain après avoir épousé l’ héritière d’une grande famille italienne, ce qui lui permettait de se consacrer pleinement à son art, mais aussi de donner libre cours à ses passions, notamment la collection d’antiques, la Méditerranée et les voyages.

Les dernières salles montrent les ultimes toiles de Twombly, de plus en plus gigantesques et colorées, avec un détour par des toiles presque japonisantes évoquant les recherches de Monet. La série Coronation of Sesostris (2000) frappe par sa lumière avec notamment cette barque de Pharaon traversant le Nil qui rappelle les couleurs de Turner.

Presque décoratives, les toutes dernières œuvres semblent finalement les plus accessibles, comme si Twombly avait trouvé son langage, unique, simple, détaché, paisible et universel, concluant ainsi avec majesté le travail d’une vie.

Pour compléter/anticiper la visite de l’exposition

Inauguré en mars 2010, le plafond de la salle des bronzes commandé par Le Louvre à l’artiste américain Cy Twombly. Maître d’œuvre : Wela productions.

  • Il faut absolument aller voir le plafond de la salle des bronzes grecs au Louvre, avec ce bleu très italien dont le très discret Twombly dira :

C’est vrai, j’ai peu utilisé le bleu, hormis ma dernière série exposée à Athènes. Pour moi, ce n’est pas le bleu de la Grèce, ni du ciel, ni de la mer. C’est le bleu de la peinture, le bleu de Giotto que j’ai recherché, un bleu simple et plein, entre cobalt et le lapis-lazuli…

propos confié à  Valérie Duponchelle le jour de l’inauguration et extrait de l’article L’été grec de Cy Twombly sur Le Figaro.Fr du 24/03/2010 (nouvelle fenêtre).

Et maintenant… c’est à vous

Si ce n’est déjà fait, bloquez une date dans votre agenda : il vous reste quelques jours pour voir cette expo unique. Tous les détails pratique sont sur la billetterie du site du centre Pompidou (nouvelle fenêtre).

*extrait de La sagesse de l’art de Roland Barthes, écrit pour le catalogue du Withney Museum (NY) en 1979.

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Envie de se faire une expo photo ?

5 Avr

Vous aimez la photo ? Cela tombe bien, nous aussi. Voici une liste non exhaustive des expositions de 2017 consacrées au huitième art à Paris :

L’exposition Eli Lotar (1905-1969) du 14 février 2017 au 28 mai 2017 au Jeu de Paume (nouvelle fenêtre)

Éli Lotar, Eliazar Lotar Teodorescu de son nom d’état-civil, est un photographe français d’origine roumaine, né le 30 janvier 1905 dans le 18e arrondissement de Paris, ville où il est mort le 10 mai 1969. En 1926, il rencontre la photographe allemande Germaine Krull (nouvelle fenêtre) dont il deviendra l’assistant puis le compagnon pendant trois ans et qui lui apprendra la technique photographique. Avec elle, il publiera dans des revues prestigieuses telle que Vue, Jazz, Arts et Métiers Graphiques. L’œuvre d’Eli Lotar se rapproche des dadaïstes, des surréalistes. De ce point de vue, il applique le procédé de la « Nouvelle Vision », courant photographique qui au sujet cadré, centré, lui préfère la plongée, la contre-plongée, le jeux des angles etc. Il sera d’ailleurs chef-opérateur de Luis Bunuel, mais s’inscrit également dans la tradition du reportage documentaire, notamment avec la réalisation d’une série de photos aux Abattoirs d’Aubervilliers. Eli Lotar est également connu pour une série de portraits, notamment celui du sculpteur Giacometti.

Le catalogue de l’exposition, Eli Lotar de Damarice Amao, Clément Chéroux, Pia Viewing, une coédition Jeu de paume/Libella/Centre Pompidou sera bientôt disponible à La Médiathèque.

L’exposition Autophoto, du 20 avril 2017 au 24 septembre 2017, à la Fondation Cartier pour l’Art contemporain (nouvelle fenêtre).

Cette exposition rassemble plus de 400 photographies consacrée à la relation entre la photographie et l’automobile. Comment la voiture a transformé le paysage urbain ? Comment la voiture a influencé les photographes ? Avec notamment Jacques-Henri Lartigues, Ed Ruscha, Lee Friedlander, Jacqueline Hassink et bien d’autres.

Le catalogue de l’exposition, Autophoto de Simon Baker, Clément Chéroux, Marc Desportes, une coédition Fondation Cartier pour l’Art contemporain/Xavier Barral sera bientôt disponible à La Médiathèque.

L’exposition Walker Evans (1903-1975) au Centre Pompidou (nouvelle fenêtre) du 26 avril 2017 au 14 août 2017

Un itinéraire singulier que celui de Walker Evans, photographe américain qui se destinait à être écrivain, et qui prit des cours de littérature française à La Sorbonne en 1926.
Walker Evans s’est surtout fait connaître pour ses photos de la Grande Dépression (nouvelle fenêtre) prises dans le cadre de la mission de la Farm Security Administration (nouvelle fenêtre), entre 1935 et 1937. Il s’agit de l’un des programmes du New Deal mis en place par Roosevelt, sous forme de subventions pour aider les paysans. Les photographes sont donc là pour rendre compte de la réalité de leurs vies. Comme le signale Anne Bertrand dans la revue Vacarme du 14 octobre 2007, consacré à l’histoire de la photographie américaine (nouvelle fenêtre) :

Chacun pourra trouver chez Evans ce qu’il cherche. Lui seul a réuni, dans l’histoire de la photographie américaine, un corpus d’une telle ampleur et d’une telle diversité.

Pour en savoir plus sur Walker Evans, Liseur vous invite  à consulter un extrait de Une intervention récalcitrante. Les pages de Walker Evans de David Campany, dans la revue Etudes Photographiques, du 27 mai 2011 (nouvelle fenêtre).

Quelques photos ci-dessous de ce grand photographe.

Le catalogue de l’exposition, Walker Evans de Clément Chéroux édité par la BPI du Centre Pompidou sera bientôt disponible à La Médiathèque.

Exposition Sindbad le marin à La Médiathèque

13 Fév

Prêts à lever l’ancre, moussaillons ?

Du 21 février au 12 mars 2017, La Médiathèque accueille une exposition de 25 illustrations originales de Quentin Gréban (nouvelle fenêtre) issues de son album Sindbad le marin. Une véritable invitation au voyage où pirates, effrayant cyclope, oiseaux mythiques et dangereux anthropophages se côtoient ! Venez admirer le talent de Quentin Gréban et ses superbes dessins à l’aquarelle.

En préambule du 6ème Salon du Roman Historique de Levallois (nouvelle fenêtre) qui aura lieu dimanche 26 février 2017, Quentin Gréban proposera une visite commentée de l’exposition « Sindbad le marin » à la médiathèque Gustave-Eiffel le samedi 25 février à 10h30 et à 11h30.

Autres rendez-vous à ne pas manquer :

  • affiche-evenements jeunesse -Salon du Roman Historique Levallois 2017Vendredi 24 février à 16h : une rencontre animée par Raphaëlle Botte avec trois auteurs jeunesse (Aude Maurel, Quentin Gréban et Gilles Bachelet) ouverte à tous à la médiathèque Gustave-Eiffel.
  • Samedi 25 février à 15h30 : un goûter-lecture avec Quentin Gréban à l’Hôtel Ibis de Levallois, 24 rue de Trébois.
  • Dimanche 26 février :  histoires, contes, applis et spectacles pour tous les historiens en herbe à découvrir dans le programme du site du Salon du Roman Historique : Graines d’historiens (nouvelle fenêtre) 

N’hésitez pas à découvrir les autres albums de Quentin Gréban disponibles à La Médiathèque (nouvelle fenêtre).

Par ailleurs, si les explorateurs de la mer vous fascinent, vous avez jusqu’au 26 février 2017 pour vous rendre à l’exposition « Aventuriers des mers: de Sindbad à Marco Polo » à l’Institut du Monde Arabe de Paris (nouvelle fenêtre). À l’occasion de cette exposition, un remarquable boutre traditionnel d’Oman, bateau de commerce et de pêche entièrement construit en bois, est installé sur la parvis de l’IMA et illuminé la nuit.

Vous pouvez également découvrir l’exposition avec vos oreilles grâce à cette balade radiophonique proposée par La Fabrique de l’Histoire sur le site de France Culture (nouvelle fenêtre).

Enfin,  les amateurs d’océan, de mer et d’eau sous toutes ses  formes se plongeront dans cet article Jetez vous à l’eau :Lisez un livre ! du blog Liseur pour y découvrir des romans sur le thème de l’eau ! Les adeptes de vidéo ne sont pas oubliés avec cette sélection de voyages maritimes (films en VOD proposés sur le site de La Médiathèque- nouvelle fenêtre).

PRATIQUE  : Exposition à la médiathèque Gustave-Eiffel du 21 février au 12 mars 2017 (aux horaires d’ouverture habituels).

Marie L.

L’exposition Mexique 1900-1950 au Grand-Palais

13 Jan

Depuis octobre 2016,  l’art du Mexique de la première moitié du XXe siècle est à l’honneur au Grand-Palais à Paris dans une grande exposition intitulée Mexique 1900-1950 : Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco et les avant-gardes. Amateurs de couleur, d’Histoire et de révolution artistique, courez-y. Vous avez jusqu’au 23 janvier 2017.

Avec un juste équilibre dans la richesse des œuvres présentées, l’exposition retrace le parcours de la bouillonnante créativité artistique du pays tout au long du XXe siècle. Elle couvre les deux niveaux du Grand-Palais dans des salles aux thématiques chronologiques, qui replacent la production artistique dans le contexte politique et historique de l’époque  : au moment où l’histoire coloniale tourmentée du Mexique s’achève avec une révolution sanglante qui met fin au  gouvernement de Porfirio Diaz et au terme de laquelle le pays va retrouver son dynamisme.

Une scénographie très réussie

Tout au long de l’expo, plusieurs formes et supports sont exposés : peinture, sculpture, croquis, fresques, les proportions allant de la miniature au monumental. Le choix des œuvres est excellent, montrant avec précision et efficacité la nouveauté, le foisonnement et la variété de la production de ces 5 décennies.

Dès l’entrée, la mise en scène impose son caractère, mettant avec succès les œuvres en parallèle ou en opposition. Brique, jaune ou bleu,  des murs aux couleurs vives encadrent les toiles comme des écrins contrastés et éclatants. Dans l’escalier qui mène à l’étage, le commissaire d’exposition, Agustin Artéaga, a habilement utilisé l’architecture propre au bâtiment 1900 tout en jouant sur les particularités de la peinture présentée en rez-de chaussée :  il a ainsi fait recouvrir les immenses fenêtres verticales de voiles semi-transparents qui montrent Diego Rivera au travail sur ses fresques.

Le seul petit bémol que l’on pourrait faire à cette superbe scénographie est l’insertion dans le parcours chronologique de quelques rares œuvres contemporaines censées faire écho au passé, mais, à part la monumentale sculpture Groupe de femmes de Francisco Zuniga (1974), cette juxtapostion semble un peu artificielle.

Que viva Mexico !

La présence du cinéma dans l’expo est primordiale puisque le Mexique a occupé une place particulière dans l’industrie cinématographique : il a été parmi les premiers pays à utiliser le cinéma et dès 1895, les frères Lumière furent invités à Mexico par le gouvernement de Porfirio Diaz pour y projeter leurs films.

Au rez de chaussée de l’expo, le film Que Viva Mexico d’Eisenstein (nouvelle fenêtre) tourné à Mexico entre 1930-1932 avec un historique compliqué de tournage, de producteurs puis de diffusion,  est présenté en boucle . Il s’insère tout naturellement entre les œuvres plastiques avec ses gros plans, ses cadrages particuliers et son travail méthodique sur la composition de chaque scène. Autant de recherches qui sont en correspondance avec le travail des peintres exposés en regard de ce monument de l’histoire du cinéma.

À l’étage, ce sont trois écrans dans une salle en rotonde qui happent le visiteur à peine arrivé de l’escalier  : des extraits de films de  l’âge d’or du cinéma mexicain y montrent des actrices typiques années 30, des paysans en chemise blanche et sombreros et des paysages de déserts et de cactus.

La place de l’Histoire

Intimement liée à la production artistique, l’histoire du pays, mais aussi de son rapport avec l’Europe ou les États-Unis voisins,  est le fil rouge de l’exposition.  Le choix d’œuvres exposées montrent l’évolution et les recherches artistiques, mais aussi l’échange permanent des avancées et des idées artistiques entre les différents continents. Comme des siècles plus tôt dans l’histoire de l’art, les mouvements artistiques se déplacent d’un pays  à l’autre et, en ce début du XXe, se déclinent au Mexique,  parfois avec un petit temps de décalage ou une adaptation locale. Les artistes eux-mêmes vont parfaire leur art au contact des créateurs européens, le pays envoyant ses jeunes talents à la source des nouvelles tendances. Début  XXe, Paris, avec le symbolisme, le cubisme puis le  surréalisme apparait comme un des centres  les plus effervescents de l’art en mutation : il est donc normal d’y retrouver Diego Rivera et plusieurs de ses compatriotes.

Mais quand une révolution populaire éclate en  1910 après des années de « règne » de Porfirio Diaz, – une forme de gouvernement proche de notre ancien régime-, le monde de l’art ne reste pas indifférent. L’histoire mexicaine va se construire sur cette période sanglante, avec ses héros  mythiques tels Sancho Pança et Zapata, ses tentations communistes, ses œillades en direction du régime soviétique et sa volonté de reconstruction de l’identité nationale. Autant de sujets que l’on retrouve dans l’art de cette période, chargé de transmettre et d’éduquer les populations. Invités à participer à l’élan patriotique initié par la Révolution, la plupart des artistes reviennent au pays : de grandes fresques éducatives sont alors produites à la gloire de la culture mexicaine. Ce sera principalement l’œuvre des muralistes, trois merveilleux fresquistes aussi actifs que divers dans leur production : Diego Rivera qui travaille a fresco (comme à la Renaissance) et utilise aplats et volumes simplifiés, José Clemente Orozco plus sombre et pessimiste, et David Alfaro Siqueiros, presque visionnaire, qui travaille sur la matière avec des empâtements caractéristiques.

La place des femmes

Evidemment on pense à Frieda Kahlo, épouse de Rivera aussi célèbre que son mari et dont le miniaturisme des toiles intimistes contraste avec les immenses scènes agraires et allégoriques de son colossal époux. Son nom a jusqu’alors un peu éclipsé les nombreuses femmes qui ont participé à cette explosion artistique du début XXe : mécènes, muses ou peintres, photographes et plasticiennes, elles participent  au renouveau artistique avec des œuvres fortes et novatrices, qui jouent un rôle majeur dans le rayonnement de cette avant-garde. Retenons en particulier les noms et les œuvres surprenantes de Nahui Olin, Lola Alvarez Bravo, Rosa Rolanda…

Ainsi en cette première moitié du XXe, une génération d’hommes et de femmes, connus ou moins célèbres, contribuent à faire du Mexique le creuset d’un renouveau artistique par des thématiques nouvelles et une liberté d’action et de création revendiquées. En quittant l’expo, on gardera longtemps en mémoire, les audaces, les couleurs, la puissance narrative et la diversité de cet art qui réussit à lier modernité, histoire et identité culturelle. Une exposition à ne pas manquer.

Pour aller plus loin :

 

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